La línea es una sucesión de puntos o, lo que es lo mismo, un punto en movimiento. Además de ser un instrumento con el que delimitar y escribir contornos, las líneas pueden usarse como un recurso expresivo cuando se saben explorar sus matices y asociaciones. De ahí que suela mencionarse como uno de los elementos estructurales básicos del arte. 

La información visual de la línea cambia de cambia según las características del trazo, su grosor y su saturación dependiendo de la herramienta, la superficie y la presión que se aplique o el tipo de líneas que predominan en la composición y organización de una obra de arte. 

Realizar un dibujo figurativo del cuerpo humano, implica conocer perfectamente las proporciones de la figura humana. La figura humana está influenciada por las leyes de la perspectiva, con el fin de plasmar en papel las proporciones adecuadas.  Para poder representar y determinar las proporciones de la figura humana, utilizaremos los cánones del cuerpo humano.

La palabra canon viene del griego κανών (kanon=vara, regla). Mediante fórmulas matemáticas se establece las proporciones ideales del cuerpo humano; el cual se divide en partes llamadas módulos. Ya lo usaban los egipcios para establecer las medidas  perfectas de la figura. 

El griego Policleto  fue el precursor del término y estableció las proporciones ideales usando  la medida básica llamada módulo, y así creó el canon de 7 cabezas basado en que la altura de una persona son 7 veces la altura de la cabeza.

 El pintor Miguel Ángel usó el canon de 7,5 cabezas, siendo actualmente la figura común  y Leonardo Da Vinci; el canon de 8 cabezas, usado para figuras heroicas.

Los cánones del cuerpo humano nos sirven para poder dibujar una figura humana adecuadamente. Así para comenzar un dibujo o boceto empezamos por la cabeza; tomándola como referencia para el tamaño del resto del cuerpo. 

Los cánones nos ayudan a colocar adecuadamente zonas del cuerpo en nuestro boceto; por ejemplo el pubis se sitúa en el centro de la figura sin importar su altura. Así la anchura de las sienes establece lo ancho de los hombros, el muslo tiene la misma longitud que las piernas, los brazos llegan hasta la cintura, el antebrazo tiene el mismo tamaño que el brazo o la muñeca llega hasta el pubis. 

Por tanto, los cánones son guías que nos ayudan a la hora de hacer un boceto de un figurín. 

Por último, vamos a nombrar los 3 cánones que existen actualmente:

    1. Canon de 7 cabezas y media.

    2. Canon de 8 cabezas, corresponde con la figura ideal, usado por escultores y pintores. 

    3. Canon de 8 cabezas y media, usado en cómics y figurines.

Recuerde puede imprimir o dibujar las cuadrículas.

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La caricatura como género artístico suele ser un retrato, u otra representación humorística que exagera los rasgos físicos o faciales, la vestimenta, o bien aspectos comportamentales o los modales característicos de un individuo, con el fin de producir un efecto grotesco. La caricatura puede ser también el medio de ridiculizar situaciones e instituciones políticas, sociales o religiosas, y los actos de grupos o clases sociales. En este caso, suele tener una intención satírica más que humorística, con el fin de alentar el cambio político o social. La forma más común de las caricaturas políticas y sociales es la viñeta. Si bien el término caricatura es extensible a las exageraciones por medio de la descripción verbal, su uso queda generalmente restringido a las representaciones gráficas.

Existen caricaturistas de muy distintas índoles, temas y estilos, ya que la caricatura, con muy pocas palabras (en algunos casos, sin palabra alguna) permite también hacer comentarios políticos en clave de humor verdaderos chistes visuales, y por ello casi todos los diarios del mundo suelen incluir una o más caricaturas en su sección de opinión, también suelen observarse caricaturas exentas en otros mass media, por ejemplo en ciertas revistas de historietas, generalmente de índole satírica.

La caricatura en su sentido moderno, nació en Bolonia a finales del siglo XVI, en la escuela de arte fundada por una familia de pintores, los Carracci. Los estudiantes de esta academia se divertían haciendo retratos de los visitantes bajo la apariencia de animales u objetos inanimados, esto llegó a ser compartido por Gianlorenzo Bernini. El grabador Pier Leone Ghezzi, que trabajaba en Roma, continuó esa tradición y, por un módico precio caricaturizaba a los turistas. Lo que estos artistas italianos hacían eran retratos humorísticos para uso privado y casi nunca resultaban satíricos o maliciosos, en este sentido Giandomenico Tiepolo también incursionó en el género de la caricatura.

https://historia-arte.com/artistas/john-tenniel

https://www.bbc.com/mundo/noticias-50506850

La caricatura política nace propiamente en Francia, tras las ilustraciones alusivas a temas controvertidos y de personajes como Napoleón III y Luis Felipe, que ponían en tela de juicio su credibilidad ante la opinión pública. Estas ilustraciones fueron impulsadas gracias a la difusión de la litografía que permitió la fundación de periódicos ilustrados en un mayor número. La caricatura política es desde entonces un sistema de lucha dirigido con virulencia contra personajes de la vida pública, con el ánimo de ridiculizarlos para resaltar sus errores. Además aporta una visión no formal a la opinión pública, permitiendo revivir el pasado gracias a la facultad del hombre de integrar elementos heterogéneos a la visión histórica y retórica.

Durante siglos el dibujo a ha servido como la mejor forma de expresión gráfica y el  medio más antiguo para registrar los acontecimientos  ocurridos en la historia de la humanidad, desde las actividades prehistóricas como las pinturas rupestres en las cuales se representaban animales, astros, el medio que los rodeaba  el mismo ser humano.

La historia de los primeros dibujos data del Paleolítico Superior, hace 35.000 años. Más tarde, los egipcios y posteriormente los griegos supieron aprovechar este arte para decorar sus edificaciones y hacerlo un verdadero elemento de comunicación y expresión humana, aportando grandemente a su desarrollo.

500 años después los romanos, abandonando lo artístico y ornamental, se acercan a una doctrina más práctica y útil para esa época; necesitaban edificaciones más sólidas, que permitieran soportar los continuos ataques de los invasores.

Encontraron en el dibujo el medio para reflejar lo que serían las próximas construcciones, utilizando de forma más profunda  el dibujo técnico. Surgieron los primeros planos y con ellos nació la arquitectura.

Realizar un dibujo en el que se exprese las circunstancias socioculturales, políticas, económicas o intelectuales vividas por usted durante este año. 

Técnica libre 

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Artista plástico y pionero del action painting: Jackson Pollock.  Nacía El 28 de enero de 1912 en Wyoming, hablaremos un poco de este artista que hoy tendría 109 años!

El artista plástico, Paul Jackson Pollock, nació el día 28 de enero en Wyoming y fue uno de los pintores más influyentes de su época, alcanzó la fama en vida, tanto por su arte como por su forma de ser tan especial.

Era una persona aislada y, tal vez, esto fue lo que provocó que tuviera problemas de alcoholismo durante toda su vida. Pese a sus intentos de desintoxicación y sus tratamientos basados en la pintura, Pollock murió con tan solo 44 años, en 1956. Por aquella época el artista era una gran influencia para los jóvenes, hasta que sufrió un accidente de coche en el que chocó contra un árbol a pocos metros de su casa mientras conducía ebrio.

Pollock comenzó su carrera artística realizando imágenes pictóricas y no fue hasta casi los años 40 que se embarcó en la pintura abstracta.

Este estilo denominado action painting era una forma de volcar sus emociones, por ello, podemos encontrar cuadros aparentemente relajados, donde las gotas de pintura pueden parecer ordenadas u otras donde se observa en cada trazo la cólera del autor.

A través del dripping, Pollock creó un nuevo estilo basado en una técnica 100% estadounidense denominada como expresionismo abstracto al que más tarde se unirían otros artistas como Frank Kline o Robert Motherwell.

Ya fuera por un accidente o a modo de terapia el artista comenzó a utilizar, en los años 50, un método de expresión nuevo, el dripping, influenciado por los Indios Navajos. Pollock no utilizaba caballetes, colocaba el lienzo directamente en el suelo. De esta forma, el artista tenía un control total sobre el soporte y podía moverse sobre él. El dripping consistía en lanzar la pintura directamente sobre el lienzo con todo tipo de herramientas, como pinceles, cubertería, pañuelos etc.

El término dripping proviene de la palabra drip (gotear en inglés).  Y como su propio nombre indica esta técnica pictórica consiste en reparar en la belleza de las manchas de pintura aleatorias. Fruto de haber sido «dejadas caer» en un lienzo (o cualquier otro soporte). Esta técnica es muy característica de la Action Painting, una de las muchas ramas de la pintura abstracta. Entre los grandes componentes de la action painting en general y del dripping en particular destaca la figura de una persona por encima de todos: Jackson Pollock. Que a partir de 1940 se atrevía con obras como ésta:

En cuanto a la forma:

Pollock pintó composiciones abstractas que no representan ni un objeto ni un personaje en particular sino que se afirman más como un puro acto de creación. Además, a Pollock le gustaba que las críticas dijeran que sus cuadros no tienen ni principio ni final, ya que se pueden mirar sin importar en qué sentido se haga.

Mojar el pincel en un tarro de pintura líquida y después mover los brazos por encima del soporte a pintar (tela, madera, cristal, etc.) de tal manera que la pintura gotee y recubriendo la superficie poco a poco. Y de acuerdo al resultado  que esperas puedes mover los brazos a más o menos velocidad  y observar el efecto que creas, escoge tus colores de acuerdo a las emociones que quieres expresar.

Puedes utilizar cepillos de dientes y untarlos con pintura frotándolos con el pulgar apuntando hacia la parte que quieres salpicar. 

Bastidor ( formato o medidas libre) 1

Pinceles nuevos o usados. 2

Tarros de pintura vinilo ( los colores que vayas a utilizar)

Cepillo de dientes ( opcional) nuevo o usado. 

Recipientes para combinar los colores. 

La acuarela es una técnica pictórica que se realiza sobre papel y utiliza colores que se disuelven al agua. Su pintura se obtiene por aglutinación de pigmentos secos mezclados con goma arábiga.

Se considera que las primeras acuarelas tienen origen en Egipto y China y están estrechamente relacionadas con la invención del papel donde aplicaban pinturas a base de agua. A pesar de su temprano origen, durante la historia del arte la acuarela no fue muy protagonista, se utilizaba principalmente para los bocetos previos a las pinturas al óleo y para retratar paisajes y botánica. Pero ya a partir del siglo XIX comenzó a tomar fuerza.

Hoy, la acuarela es una gran técnica utilizada no sólo por artistas, ilustradores y diseñadores, sino que también es ideal para aficionados con ganas de desarrollar su creatividad, ya sea para relajarse o para explorar nuevas maneras de expresarse.

Una de las virtudes de la acuarela es que es una técnica limpia, no necesitas espacios muy grandes y ventilados, ni muchos implementos. 

Lo que necesitas para comenzar:

- Acuarelas

- Papel

- Agua

- Pincel.

Independientemente de estilos, nuestra recomendación es probar la mayor variedad posible. Muchas veces puedes trabajar con una de estas acuarelas y servirte de otra para hacer cosas más concretas.

1.    Acuarela en pastilla

2.    Acuarelas en tubo

3.    Acuarela en barra

4.    Acuarela líquida

5.    Lápices acuarelables

6.    Rotuladores de acuarela.

A pesar de que los diferentes tipos de acuarelas tienen características similares, cada una de ellas tiene unas peculiaridades. A continuación te contamos las características de cada una:

Las acuarelas en pastilla  o godet, es de las más conocidas por su uso en las manualidades infantiles. Como es lógico, las acuarelas en pastilla empleadas en Bellas Artes no son las mismas. Estos tipos de acuarela, están formados por «cubitos» de pigmento útil seco prensado.

Su uso y el tamaño del pincel está condicionado por el tamaño de la pastilla. Por ese motivo, sombrear grandes superficies puede resultar muy costoso. Entre todas las acuarelas en pastilla puedes encontrar dos formatos. Las acuarelas en pastilla enteras (godet o godet entero) y las acuarelas en «media pastilla» (medios godet).

Si buscas acuarelas en tubo, encontrarás muchas marcas: Winson & Newton o Taker Tiziano… Sobre todo ahora que la acuarela en tubo se está haciendo muy popular entre los acuarelistas. Esto se debe a la amplia variedad de colores y formatos en las que se comercializan.

Además, este tipo de acuarelas es muy fácil de emplear por su enorme plasticidad. Su formato permite crear nuevos colores sin necesidad de ensuciar los colores de origen, como ocurre con las pastillas. También resultan muy útil para trabajos minuciosos, porque tarda un poco más en secar que otros tipos de acuarela.

La particularidad las barras de acuarela es que se pueden emplear tanto en seco como en húmedo. La manera de trabajarlas en seco es muy similar a la técnica del pastel. A diferencia de esta, después se complementa añadiendo un poco de agua para «acuarelar» el dibujo final. También se puede emplear a modo de pastilla o godet humedeciendo el pincel y pasándolo directamente por la barrita.

Dentro de los muchos tipos de acuarelas que estamos viendo en este post, las acuarelas líquidas son las más fluidas y brillantes. Esto se debe a los aglutinantes con los que están mezcladas.

Para utilizarlas, es necesario trabajarlas en una superficie muy húmeda, cosa que complica su puesta en práctica. De todas formas, el resultado compensa el esfuerzo y el tiempo invertido en dominar la acuarela líquida. Para aquellos que hayan trabajado la tinta china, puede ser que encuentren ciertas similitudes en el modo de trabajar. Aunque no esperes obtener el mismo resultado sobre el papel.

Brevemente podemos comentar sobre los lápices que son muy sencillos de utilizar. Esto se debe a que se pueden emplear como los lápices de grafito de toda la vida. A diferencia de estos, al ponerse en contacto con el agua crean una sensación visual sobre el soporte acuosa. Estos lápices de colores ofrecen unos resultados muy expresivos. Además sirven como complemento perfecto para pequeños detalles sobre otros tipos de acuarelas.

Tanto los rotuladores de acuarela como los lápices acuarelables son muy empleados en el campo del diseño y la ilustración. Esto se debe a que son muy fáciles de utilizar y muy  limpios a la hora de trabajarlos.

Dentro del campo de los rotuladores, encontramos los rotuladores acuarelables doble punta. Es el caso de los rotuladores Winsor and Newton que constan de una fina y otra gruesa para adaptarse a tu obra. Estos rotuladores resisten muy bien a la luz y permiten mezclarse con otros tipos de acuarelas. La forma de trabajar con ellos es muy similar a la de los lápices acuarelables.

Realizar un dibujo y pintarlo  con acuarela, se recomienda realizar los trazos de manera muy suave de tal manera que cuando pasen las pinceladas las líneas puedan ser cubiertas por la pintura , ya que una de las características principales de la acuarela es la transparencia sobre el papel.

El tema es libre, desde un paisaje, un bodegón , tu personaje de cómics o manga favorito etc,.

 Acuarelas

- Papel

- Agua

- Pincel.

- Cinta de enmascarar para los bordes ( opcional) 

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